Memphis Minnie • Pickin' the Blues

 

Arthur Big Boy Crudup • That's All Right (Mama) - The Fire Sessions

 

Review from Bluestown Music (by Jan Wolf):
Arthur "Big Boy" Crudup was een echte bluesman, niets meer en bovenal niets minder. Geboren te Union Grove, Forest Mississippi op 24 augustus 1905. Als zoon van arbeidsmigranten werd er in zijn jonge jaren veel gereisd maar rond 1926 keerde de familie terug naar Mississippi, daar kreeg Arthur de smaak te pakken als gospel zanger. Een plaatselijke bluesman, Papa Harvey introduceerde de blues bij Arthur en dat leidde uiteindelijk tot het vertrek naar Chicago in 1939/1940.

In de jaren vijftig geeft Arthur er de brui aan omdat hij genoeg had van de wijze waarop hij behandeld werd door de platenmaatschappij wanneer het aankwam op de royalty's...I realised I was making everybody rich, and here I was poor.

Een bekend verhaal uit die tijd en spijtig genoeg vielen vele bluesartiesten hetzelfde lot ten deel. Het zou nog tot in de jaren zeventig duren eer Willie Dixon de handschoen op zou pakken en ging vechten voor de royalty's en auteursrechten van hemzelf en collega's. Voor Crudup kwam dat al te laat, hij stierf in 1974 in Virginia. Het duurde even voordat ze wisten wie er nou eigenlijk overleden was omdat Arthur van meerdere namen gebruik maakte.

Nu hebben we in 2022 de zaken over het algemeen beter geregeld en ondanks het feit dat Arthur "Big Boy" Crudup geen heel bekende naam is bij het grote publiek, heeft hij zonder enige twijfel toch echt een grote stempel gedrukt op de volgende generaties. Hij werd "The Father of Rock n Roll" genoemd nadat onder ander ene Elvis een aantal van zijn nummers coverde. "Als ik enige ambitie zou hebben, dan zou ik zo goed willen zijn als Arthur Crudup". Was getekend diezelfde Elvis Presley.

'The Fire Sessions' zijn nu op een enkele schijf vastgelegd en eigenlijk is dit verplichte kost voor eenieder die de blues een warm hart toedraagt, de nummers hebben geen houdbaarheidsdatum en dat zegt heel veel over de kwaliteit. De nummers zelf zijn voor het serieuze blues publiek natuurlijk allang niet nieuw meer, al is het alleen maar omdat ze de uitvoering van een ander kennen.

Deze verzameling van 'The Fire Sessions' maakt mans werk echter wel toegankelijker voor nieuwe oren en laten we hopen dat die oren bereikt worden, aan ons de schone taak dus om verder te gaan met waar Arthur mee begon. Het verspreiden van het gospel, of in dit geval Arthur Big Boy Crudup's Gospel.

https://bluestownmusic.nl/review-arthur-big-boy-crudup-thats-all-right-mama-the-fire-sessions/

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English translation (Bluestown Music, by Jan Wolf):
Arthur "Big Boy" Crudup was a true bluesman, nothing more and above all nothing less. Born in Union Grove, Forest Mississippi on August 24, 1905. As the son of migrant workers he traveled a lot in his early years, but around 1926 the family returned to Mississippi, where Arthur developed a taste for gospel singing. A local bluesman, Papa Harvey, introduced Arthur to the blues and that eventually led to his departure to Chicago in 1939/1940.

In the fifties Arthur quit because he had enough of the way he was treated by the record company when it came to royalties... I realised I was making everybody rich, and here I was poor.

A familiar story from that era and unfortunately many blues artists suffered the same fate. It would take until the seventies before Willie Dixon picked up the gauntlet and began fighting for his own royalties and copyrights and those of his colleagues. For Crudup that came too late — he died in 1974 in Virginia. It took a while before anyone knew who had actually passed away because Arthur used several names.

Now in 2022 things are generally better organized and despite the fact that Arthur "Big Boy" Crudup is not a very well-known name to the general public, he has without doubt left a major mark on subsequent generations. He was called "The Father of Rock n Roll" after a certain Elvis covered several of his songs. "If I had any ambition, I would want to be as good as Arthur Crudup." Signed: that same Elvis Presley.

'The Fire Sessions' are now captured on a single disc and this is actually required listening for anyone who has a warm heart for the blues — the songs have no expiration date and that says a great deal about their quality. The songs themselves are of course no longer new to the serious blues public, if only because they know them through someone else's version.

This collection of 'The Fire Sessions' makes the man's work more accessible to new ears and let us hope that those ears are reached — it is our noble task to continue where Arthur began. Spreading the gospel, or in this case Arthur Big Boy Crudup's Gospel.

https://bluestownmusic.nl/review-arthur-big-boy-crudup-thats-all-right-mama-the-fire-sessions/

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Reseña de Bluestown Music (por Jan Wolf):
Arthur "Big Boy" Crudup era un verdadero bluesman, nada más y sobre todo nada menos. Nacido en Union Grove, Forest Mississippi el 24 de agosto de 1905. Como hijo de trabajadores migrantes viajó mucho en sus años jóvenes, pero alrededor de 1926 la familia regresó a Mississippi, donde Arthur adquirió el gusto por el canto gospel. Un bluesman local, Papa Harvey, le presentó el blues a Arthur y eso eventualmente llevó a su partida a Chicago en 1939/1940.

En los años cincuenta Arthur lo abandonó todo porque estaba harto de la manera en que era tratado por la compañía discográfica cuando se trataba de las regalías... Me di cuenta de que estaba haciendo ricos a todos, y aquí estaba yo, pobre.

Una historia conocida de esa época y lamentablemente muchos artistas de blues corrieron la misma suerte. Tendría que pasar hasta los años setenta para que Willie Dixon tomara el guante y comenzara a luchar por las regalías y derechos de autor propios y de sus colegas. Para Crudup eso llegó demasiado tarde — murió en 1974 en Virginia. Tardó un tiempo en saberse quién había fallecido porque Arthur usaba varios nombres.

Ahora en 2022 tenemos las cosas generalmente mejor organizadas y a pesar del hecho de que Arthur "Big Boy" Crudup no es un nombre muy conocido para el gran público, sin duda ha dejado una gran huella en las generaciones siguientes. Fue llamado "The Father of Rock n Roll" después de que cierto Elvis covertera varios de sus temas. "Si tuviera alguna ambición, querría ser tan bueno como Arthur Crudup". Firmado: ese mismo Elvis Presley.

'The Fire Sessions' están ahora grabadas en un solo disco y en realidad esto es lectura obligatoria para cualquiera que tenga un cálido corazón por el blues — los números no tienen fecha de vencimiento y eso dice mucho sobre la calidad. Los números en sí ya no son nuevos para el público serio del blues, aunque sea solo porque los conocen a través de la versión de otro.

Esta colección de 'The Fire Sessions' hace el trabajo del hombre más accesible para nuevos oídos y esperemos que esos oídos sean alcanzados — nuestra noble tarea es continuar donde Arthur comenzó. Difundir el gospel, o en este caso el Gospel de Arthur Big Boy Crudup.

https://bluestownmusic.nl/review-arthur-big-boy-crudup-thats-all-right-mama-the-fire-sessions/

Escaping the Delta, Robert Johnson and the Invention of the Blues

 

The life of blues legend Robert Johnson becomes the centerpiece for this innovative look at what many consider to be America's deepest and most influential music genre. Pivotal are the questions surrounding why Johnson was ignored by the core black audience of his time yet now celebrated as the greatest figure in blues history.

Trying to separate myth from reality, biographer Elijah Wald studies the blues from the inside -- not only examining recordings but also the recollections of the musicians themselves, the African-American press, as well as examining original research. What emerges is a new appreciation for the blues and the movement of its artists from the shadows of the 1930s Mississippi Delta to the mainstream venues frequented by today's loyal blues fans.

 

 

Elijah Wald (Autor)

Clifton Chenier • Black Snake Blues

 

Clifton Chenier (June 25, 1925 - December 12, 1987), a Creole French -speaking native of Opelousas, Louisiana, was an eminent performer and recording artist of Zydeco and 1983 Grammy winner. Like so many American originals, accordion player and singer Clifton Chenier was able to synthesize several older genres of music into a new form. He added to Cajun music a touch of the blues, rhythm and blues, and rock & roll to create a driving pop version of Zydeco. He explained, "People been playing Zydeco for a long time, old style like French music. But I was the first one to put the pep to it." He started his career performing on weekends near the oilfields, where he worked at his day job. During the '50s he was associated with R&B, recording for legendary labels like Specialty and Chess. His influences were not older Cajun musicians, but figures like Fats Domino and Professor Longhair. By the time Chenier hit his stride, traditional Cajun and Creole music had begun to take different paths: Cajuns were becoming more interested in country music, while Creole players preferred blues and R&B, abandoning the fiddle in favor of the rub-board and sometimes a horn section. In 1964 Arhoolie Records producer Chris Strachwitz persuaded Chenier to play more zydeco -- a move that renewed his career and led to a long series of hit albums. Among his later hit singles were 1964's "Louisiana Blues" and 1965's "Black Gal." He also recorded what has become the national anthem of Zydeco, "Zydeco Sont pas Sale." Clifton Chenier became the first major Zydeco superstar and also introduced the word Zydeco to the musical lexicon in 1965. He said that Zydeco was a corruption of les haricots (French for the beans). The undisputed "King of Zydeco," Clifton Chenier was the first Creole to be presented a Grammy award on national television. Blending the French and Cajun 2-steps and waltzes of southwest Louisiana with New Orleans R&B, Texas blues, and big-band jazz, Chenier created the modern, dance-inspiring, sounds of Zydeco. A flamboyant personality, remembered for his gold tooth and the cape and crown that he wore during concerts, Chenier set the standard for all the Zydeco players who have followed in his footsteps. In an interview from Ann Savoy's book, Cajun Music: Reflection of a People, Chenier explained, "Zydeco is rock and French mixed together, you know, like French music and rock with a beat to it. It's the same thing as rock and roll but it's different because I'm singing in French." The son of sharecropper and amateur accordion player, Joe Chenier, and the nephew of a guitarist, fiddler, and dance club owner, Maurice "Big" Chenier, Chenier found his earliest influences in the blues of Muddy Waters, Peetie Wheatstraw, and Lightnin' Hopkins, the New Orleans R&B of Fats Domino and Professor Longhair, the 1920s and '30s recordings by Zydeco accordionist Amede Ardoin and the playing of childhood friends Claude Faulk and Jesse and Zozo Reynolds. Acquiring his first accordion from a neighbor, Isaie "Easy" Blasa in 1947, Chenier was taught the basics of the instruments by his father. Chenier is credited with redesigning the wood and crimped tin washboard into the frottoir, an instrument that would easily hang from the shoulders. Cleveland Chenier, Clifton's older brother, also played in the Red Hot Louisiana Band. He found popularity for his ability to manipulate the distinctive sound of the frottoir by rubbing several bottle openers (held in each hand) along its ridges. By 1944, Chenier was performing, with his brother Cleveland on frottoir in the dance halls of Lake Charles.

Moving to New Iberia in the mid-'40s, Chenier worked in the sugar fields cutting sugar cane. After moving, to Port Arthur, TX, in 1947, he divided his time between driving a refinery truck and hauling pipe for Gulf and Texaco and playing with his brother. In 1954, Chenier signed with Elko Records. His first recording session, at Lake Charles radio station KAOK, yielded seven tunes including the regional hit single, "Cliston's Blues" and "Louisiana Stomp." Chenier's first national attention came with his first single for the Specialty record label, "Ay Tete Fille (Hey, Little Girl)," a cover of a Professor Longhair tune, released in May 1955. The song was one of 12 that he recorded during two sessions produced by Bumps Blackwell, best known for his work with Little Richard. By 1956, Chenier had left his day job to devote his full-time attention to music, Touring with his band, the Zydeco Ramblers, which included blues guitarist Philip Walker. The following year, Chenier left Specialty and signed with the Chess label in Chicago. Although he toured, along with Etta James, throughout the United States, Chenier's career suffered when the popularity of ethnic and regional music styles began to decline. Although he recorded 13 songs for the Crowley, LA-based Zynn label, between 1958 and 1960, none charted. The turning point in Chenier's career came when Lightnin' Hopkins' wife, who was a cousin, introduced Chris Strachwitz, owner of the roots music label, Arhoolie, to his early recordings. Strachwitz quickly signed Chenier to Arhoolie, producing his first single, "Ay Yi Yi"/"Why Did You Go Last Night?," in four years. Although they continued to work together until the early '70s, Chenier and Strachwitz differed artistically. While Chenier wanted to record commercial-minded R&B, Strachwitz encouraged him to focus on traditional Zydeco. Chenier's first album for Arhoolie, Louisiana Blues and Zydeco, featured one side of blues and R&B and one side of French 2-steps and waltzes. In 1976, Chenier recorded one of his best albums, "Bogalusa Boogie", and formed a new group, the Red Hot Louisiana Band, featuring tenor saxophonist "Blind" John Hart and guitarist Paul Senegal. Chenier reached the peak of his popularity in the '80s. In 1983, he received a Grammy award for his album, I'm Here!, recorded in eight hours in Bogalusa, LA. The following year, he performed at the White House. Although he suffered from kidney disease and a partially amputated foot and was required to undergo dialysis treatment every three days, Chenier continued to perform until one week before his death on December 12, 1987.

Starting in the 1950s, Clifton Chenier pioneered the modern sound of zydeco and eventually became one of the genre’s best-known performers. The self-proclaimed “King of Zydeco” won a Grammy for his 1983 album I’m Here, was awarded a National Heritage Fellowship, and played at the White House for President Ronald Reagan. Born June 25, 1925, near Opelousas, Chenier learned to play the accordion from his father Joseph, who worked as a sharecropper. Chenier came from an extended family of musicians who played in the older Creole “la la” style, which was closely related in sound to early Cajun music. He was influenced by the recordings and live performances of the celebrated Creole accordionist Amédé Ardoin and the almost-forgotten Sidney Babineaux, who was one of the earliest Creoles to play the larger piano accordion, which Chenier made famous. Scholars have debated whether Chenier ever publicly played the smaller diatonic accordion associated with Cajun music, but evidence seems to suggest that he at least learned to play that instrument from his father. During the 1940s, Chenier absorbed the “jump blues” style of Louis Jordan and was soon fusing rhythm and blues (R&B) with Creole music. Out of this potent mixture came modern zydeco. Chenier and his brother Cleveland started playing dances in the 1940s in Louisiana and, by the early 1950s were operating along the Texas border. After losing a job at an oil refinery in Beaumont, Texas, Chenier entered the music profession full time. He designed the vest-style frottoir, based on the washboard that his brother used to provide a rhythmic accompaniment to the accordion, thus giving birth to the basic percussive sound identified with zydeco. The Cheniers worked on the “chitlin circuit,” a loose network of juke joints and dance halls in the southern United States that catered to an African American clientele. On the circuit he met fellow Louisianan Clarence “Bon Ton” Garlow, an R&B guitarist, club owner, and disc jockey in Beaumont. Garlow linked Chenier to the California producer J. R. Fulbright, who signed the zydeco performer to a recording contract. Chenier made his first recordings in Lake Charles in 1954. In 1955 Chenier released his first major hit, “Ay Tete Fee,” on the Speciality label. With this recording, Chenier emerged onto the national R&B scene and shared the stage with major headliners such as Joe Turner. Chenier further refined his music by adding a trumpets and saxophones to his lineup of accordion, frottoir, drums, and guitars. Chenier’s music was highly danceable, hard driving, and propulsive in nature, as demonstrated by his cover of Jordan’s “Let the Good Times Roll” (written by Louisianan Sam Theard). He also demonstrated a great ability with blues material, including songs like “I’m a Hog for You,” which became major parts of his repertoire. Like that of many artists, Chenier’s career waned in the wake of rock ‘n’ roll. He returned to Louisiana and recorded for the Crowley label Zynn during the late 1950s, but his career seemed to stall. Then blues musician Lightnin’ Hopkins (a relative by marriage) introduced Chenier to Chris Strachwitz, the owner of Arhoolie Records. Strachwitz signed Chenier to a recording contract and gave the accordion master nearly free rein in the studio. In 1964 Arhoolie released its first Chenier single, “Ay Ai Ai.” The record enjoyed great popularity and restarted Chenier’s career. He toured widely throughout the United States and Europe from the mid-1960s until his death. He regularly drew large crowds at the Montreaux Jazz Festival and the New Orleans Jazz & Heritage Festival. While he recorded with many labels, including Jin and Maison de Soul, his best recordings were with Arhoolie. During this time he proclaimed himself the “King of Zydeco” and took to the stage wearing either a crown or diadem. Chenier suffered numerous health problems in his later years. Diabetes plagued him and he lost part of a foot, but he still took to the stage as often as possible. He died December 13, 1987, in Lafayette. Chenier left a powerful legacy in Louisiana music, transforming the old rural la la sound into a modern R&B style that garnered acceptance around the world. He was also an emotional singer and a deeply beautiful accordionist whose performances crossed genre lines.(~Kevin Fontenot)

In New Orleans was recorded in the late '70s with one of Clifton Chenier's classic bands, which featured his brother on washboard, saxophonist John Hart, and guitarist Paul Senegal, among others. The album is textbook Chenier -- it rocks & rolls, wails and shouts. It's may be a typical record for the king of zydeco, but that means it's very, very enjoyable.(~Thom Owens)

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Clifton Chenier (25 de junio de 1925 - 12 de diciembre de 1987), un criollo nativo de habla francesa de Opelousas, Louisiana, fue un eminente intérprete y artista de grabación de Zydeco y ganador del Grammy en 1983. Como tantos originales americanos, el acordeonista y cantante Clifton Chenier fue capaz de sintetizar varios géneros musicales antiguos en una nueva forma. Añadió a la música cajún un toque de blues, rhythm and blues, y rock & roll para crear una versión pop de Zydeco. Explicó: "La gente lleva mucho tiempo tocando Zydeco, a la antigua usanza de la música francesa. Pero yo fui el primero en darle energía". Comenzó su carrera actuando los fines de semana cerca de los yacimientos petrolíferos, donde trabajaba en su trabajo diario. Durante los años 50 estuvo asociado al R&B, grabando para sellos legendarios como Specialty y Chess. Sus influencias no eran músicos cajún más viejos, sino figuras como Fats Domino y el Profesor Pelo Largo. Para cuando Chenier dio su paso, la música tradicional cajún y criolla había comenzado a tomar diferentes caminos: Los cajuns estaban cada vez más interesados en la música country, mientras que los criollos preferían el blues y el R&B, abandonando el violín en favor del rub-board y a veces de una sección de trompa. En 1964, el productor de Arhoolie Records Chris Strachwitz persuadió a Chenier para que tocara más zydeco, un movimiento que renovó su carrera y lo llevó a una larga serie de álbumes de éxito. Entre sus éxitos posteriores se encuentran "Louisiana Blues" de 1964 y "Black Gal" de 1965. También grabó lo que se ha convertido en el himno nacional de Zydeco, "Zydeco Sont pas Sale". Clifton Chenier se convirtió en la primera gran superestrella de Zydeco y también introdujo la palabra Zydeco en el léxico musical en 1965. Dijo que Zydeco era una corrupción de les haricots (frijoles en francés). El indiscutible "Rey de Zydeco", Clifton Chenier fue el primer criollo en recibir un premio Grammy en la televisión nacional. Mezclando los 2 pasos y valses franceses y cajunes del suroeste de Louisiana con el R&B de Nueva Orleans, el blues de Texas y el jazz de big-band, Chenier creó los sonidos modernos e inspiradores del Zydeco. Una personalidad extravagante, recordada por su diente de oro y la capa y corona que usó durante los conciertos, Chenier marcó la pauta para todos los jugadores del Zydeco que han seguido sus pasos. En una entrevista del libro de Ann Savoy, Música Cajun: Reflexión de un pueblo, explicó Chenier, "Zydeco es rock y francés mezclado, ya sabes, como la música francesa y el rock con un ritmo. Es lo mismo que el rock and roll, pero es diferente porque canto en francés". Hijo de un aparcero y acordeonista aficionado, Joe Chenier, y sobrino de un guitarrista, violinista y dueño de un club de baile, Maurice "Big" Chenier, Chenier encontró sus primeras influencias en el blues de Muddy Waters, Peetie Wheatstraw, y Lightnin' Hopkins, el New Orleans R&B of Fats Domino y el Profesor Longhair, las grabaciones de los años 20 y 30 de la acordeonista de Zydeco Amede Ardoin y la interpretación de los amigos de la infancia Claude Faulk y Jesse y Zozo Reynolds. Adquiriendo su primer acordeón de un vecino, Isaie "Easy" Blasa en 1947, Chenier aprendió los fundamentos de los instrumentos con su padre. A Chenier se le atribuye el mérito de haber rediseñado la tabla de lavar de madera y de hojalata en el frottoir, un instrumento que colgaría fácilmente de los hombros. Cleveland Chenier, el hermano mayor de Clifton, también tocó en la Red Hot Louisiana Band. Encontró popularidad por su habilidad para manipular el sonido distintivo del frottoir frotando varios abridores de botellas (sostenidos en cada mano) a lo largo de sus crestas. Para 1944, Chenier estaba actuando, con su hermano Cleveland en el frottoir en los salones de baile de Lake Charles.

A mediados de los años 40, Chenier se trasladó a Nueva Iberia y trabajó en los campos de azúcar cortando caña de azúcar. Después de mudarse a Port Arthur, TX, en 1947, dividió su tiempo entre conducir un camión de refinería y transportar tuberías para Gulf y Texaco y jugar con su hermano. En 1954, Chenier firmó con Elko Records. Su primera sesión de grabación, en la estación de radio KAOK de Lake Charles, produjo siete temas, incluyendo el éxito regional "Cliston's Blues" y "Louisiana Stomp". La primera atención nacional de Chenier llegó con su primer sencillo para el sello discográfico Specialty, "Ay Tete Fille (Hey, Little Girl)", una portada de una canción de Professor Longhair, publicada en mayo de 1955. La canción fue una de las 12 que grabó durante dos sesiones producidas por Bumps Blackwell, mejor conocido por su trabajo con Little Richard. Para 1956, Chenier había dejado su trabajo diurno para dedicarse de lleno a la música, haciendo giras con su banda, The Zydeco Ramblers, que incluía al guitarrista de blues Philip Walker. Al año siguiente, Chenier dejó la especialidad y firmó con el sello Chess en Chicago. Aunque viajó de gira, junto con Etta James, por todo Estados Unidos, la carrera de Chenier se vio afectada cuando la popularidad de los estilos musicales étnicos y regionales comenzó a declinar. Aunque grabó 13 canciones para el sello Zynn de Crowley, con sede en Los Ángeles, entre 1958 y 1960, ninguna fue grabada. El punto de inflexión en la carrera de Chenier llegó cuando la esposa de Lightnin' Hopkins, que era prima, presentó a Chris Strachwitz, propietario del sello musical Arhoolie, sus primeras grabaciones. Strachwitz rápidamente contrató a Chenier para Arhoolie, produciendo su primer sencillo, "Ay Yi Yi"/"Why Did You Go Last Night? Aunque continuaron trabajando juntos hasta principios de los años 70, Chenier y Strachwitz diferían artísticamente. Mientras que Chenier quería grabar R&B con mentalidad comercial, Strachwitz le animó a centrarse en el Zydeco tradicional. El primer álbum de Chenier para Arhoolie, Louisiana Blues y Zydeco, incluía un lado de blues y R&B y un lado de 2 pasos y valses franceses. En 1976, Chenier grabó uno de sus mejores discos, "Bogalusa Boogie", y formó un nuevo grupo, la Red Hot Louisiana Band, con el saxofonista tenor "Blind" John Hart y el guitarrista Paul Senegal. Chenier alcanzó la cima de su popularidad en los años 80. En 1983, recibió un premio Grammy por su álbum, I'm Here! grabado en ocho horas en Bogalusa, LA. Al año siguiente, actuó en la Casa Blanca. Aunque sufría de una enfermedad renal y un pie parcialmente amputado y se le exigía que se sometiera a un tratamiento de diálisis cada tres días, Chenier continuó realizando su trabajo hasta una semana antes de su muerte, el 12 de diciembre de 1987.

A partir de los años 50, Clifton Chenier fue pionero en el sonido moderno del zydeco y se convirtió en uno de los intérpretes más conocidos del género. El autoproclamado "Rey de Zydeco" ganó un Grammy por su álbum de 1983 I'm Here, fue galardonado con una beca del Patrimonio Nacional y tocó en la Casa Blanca para el Presidente Ronald Reagan. Nacido el 25 de junio de 1925, cerca de Opelousas, Chenier aprendió a tocar el acordeón de su padre Joseph, que trabajaba como aparcero. Chenier provenía de una extensa familia de músicos que tocaban en el antiguo estilo criollo "la la", que estaba estrechamente relacionado en sonido con la música cajún antigua. Fue influenciado por las grabaciones y actuaciones en vivo del célebre acordeonista criollo Amédé Ardoin y del casi olvidado Sidney Babineaux, quien fue uno de los primeros criollos en tocar el acordeón de piano más grande, que Chenier hizo famoso. Los eruditos han debatido si Chenier alguna vez tocó públicamente el acordeón diatónico más pequeño asociado con la música cajún, pero la evidencia parece sugerir que al menos aprendió a tocar ese instrumento de su padre. Durante la década de 1940, Chenier absorbió el estilo "jump blues" de Louis Jordan y pronto fusionó el rhythm and blues (R&B) con la música criolla. De esta potente mezcla surgió el zydeco moderno. Chenier y su hermano Cleveland comenzaron a tocar bailes en la década de 1940 en Louisiana y, a principios de la década de 1950, operaban a lo largo de la frontera de Texas. Después de perder un trabajo en una refinería de petróleo en Beaumont, Texas, Chenier entró en la profesión de la música a tiempo completo. Diseñó el frottoir al estilo chaleco, basado en la tabla de lavar que su hermano utilizaba para acompañar rítmicamente el acordeón, dando así origen al sonido básico de percusión identificado con el zydeco. Los Cheniers trabajaron en el "circuito chitlin", una red informal de bares y salas de baile en el sur de Estados Unidos que atendía a una clientela afroamericana. En el circuito conoció a su compatriota Clarence "Bon Ton" Garlow, guitarrista de R&B, dueño de un club y disc-jockey en Beaumont. Garlow vinculó a Chenier con el productor californiano J. R. Fulbright, quien firmó el contrato de grabación del intérprete de zydeco. Chenier hizo sus primeras grabaciones en Lake Charles en 1954. En 1955 Chenier lanzó su primer gran éxito, "Ay Tete Fee", en el sello Speciality. Con esta grabación, Chenier emergió a la escena nacional de R&B y compartió escenario con grandes estrellas como Joe Turner. Chenier refinó aún más su música añadiendo trompetas y saxofones a su alineación de acordeón, frottoir, batería y guitarras. La música de Chenier era altamente bailable, de conducción dura y de naturaleza propulsora, como lo demuestra su portada de "Let the Good Times Roll" de Jordan (escrita por Louisianan Sam Theard). También demostró una gran habilidad con el material de blues, incluyendo canciones como "I'm a Hog for You", que se convirtió en una parte importante de su repertorio. Como la de muchos artistas, la carrera de Chenier se desvaneció en la estela del rock'n' roll. Regresó a Luisiana y grabó para el sello Crowley Zynn a finales de la década de 1950, pero su carrera pareció estancarse. Entonces el músico de blues Lightnin' Hopkins (un pariente por matrimonio) presentó a Chenier a Chris Strachwitz, el dueño de Arhoolie Records. Strachwitz firmó con Chenier un contrato de grabación y le dio al maestro del acordeón casi rienda suelta al estudio. En 1964 Arhoolie lanzó su primer single de Chenier, "Ay Ai Ai Ai." El disco gozó de gran popularidad y reinició la carrera de Chenier. Realizó giras por todo Estados Unidos y Europa desde mediados de la década de 1960 hasta su muerte. Regularmente atrae a grandes multitudes al Festival de Jazz de Montreaux y al Festival de Jazz y Patrimonio de Nueva Orleans. Aunque grabó con muchos sellos discográficos, incluyendo Jin y Maison de Soul, sus mejores grabaciones fueron con Arhoolie. Durante este tiempo se proclamó "Rey de Zydeco" y subió al escenario llevando una corona o una diadema. Chenier sufrió numerosos problemas de salud en sus últimos años. La diabetes lo atormentaba y perdió parte de un pie, pero aún así salía al escenario con la mayor frecuencia posible. Murió el 13 de diciembre de 1987 en Lafayette. Chenier dejó un poderoso legado en la música de Louisiana, transformando la antigua la la la sound en un estilo moderno de R&B que fue aceptado en todo el mundo. También fue un cantante emotivo y un acordeonista profundamente bello cuyas actuaciones cruzaron las líneas del género (~Kevin Fontenot).

En Nueva Orleans fue grabado a finales de los'70 con una de las bandas clásicas de Clifton Chenier, en la que figuraban su hermano en la tabla de lavar, el saxofonista John Hart, y el guitarrista Paul Senegal, entre otros. El álbum es el libro de texto de Chenier - se mece y rueda, llora y grita. Puede que sea un disco típico del rey de Zydeco, pero eso significa que es muy, muy agradable.

 

John Lee Hooker • On Vee- Jay 1955-1958

 

 

Biography
Born near Clarksdale, Mississippi to a sharecropping family, John Lee Hooker's earliest musical influence came from his stepfather, Will Moore. By the early 1940's Hooker had moved north to Detroit by way of Memphis and Cincinnati. Hooker found work as a janitor in the auto factories, and at night, like many other transplants from the rural Delta, he entertained friends and neighbors by playing at “house parties”. He was “discovered” by record storeowner Elmer Barbee who took him to Bernard Besman, who was a producer, record distributor and owner of Sensation Records, Besman leased some of his early Hooker recordings to Modern Records. Among Hooker's first recordings in 1948, “Boogie Chillen” became a number one jukebox hit for Modern and his first million seller. This was soon followed by an even bigger hit with “I'm In The Mood” and other classic recordings including “Crawling Kingsnake” and “Hobo Blues.” Another surge in his career took place with the release of more than 100 songs on Vee Jay Records during the 1950's and 1960's.

When the young bohemian audiences of the 1960's “discovered” Hooker along with other blues originators, he and various he and others made a brief return to folk blues. Young British artist such as the Animals, John Mayall, and the Yardbirds introduced Hooker's sound to the new and eager audiences whose admiration and influence helped build Hooker to superstar status in the mid - 60's England. By 1970 he had moved to California and worked on several projects with rock musicians, notably Van Morrison and Canned Heat. Canned Heat modeled their sound after Hooker's boggie and collaborated with him on several albums and tours.

During the late 1970's and much of the 1980's, Hooker toured the U.S. and Europe steadily but grew disenchanted with recording, through his appearance in the Blues Brothers movie resulted in a heightened profile. Then, in 1989, The Healer was released to critical acclaim and sales in excess of a million copies. Today the “The King Of The Boggie” is enjoying the most successful period of his extensive career. In the past ten years Hooker's influence has contributed to a booming interest in the blues and, notably, its acceptance by the music industry as a commercially viable entity.

Hooker's career has been a series a highlights and special events since the release of The Healer. In addition to recording his on albums Mr. Lucky, Boom Boom, Chill Out, and Don't Look Back for Pointblank / Virgin, he contributed to recordings by B.B. King, Branford Marsalis, Van Morrison, and Big Head Todd and the Monsters and portrayed the title role in Pete Townshend's 1989 epic, The Iron Man.

His influence on younger generations has been documented on television with features on Showtime and a special edition of the BBC's 'Late Show' as well as appearances on “The Tonight Show” and “Late Night With David Letterman” among many others. John Lee was invited to perform The Rolling Stones and guest Eric Clapton for their national television broadcast during The Stones' 1989 Steel Wheels tour. In 1990, many musical greats paid tribute to John Lee Hooker with a performance at Madison Square Garden. Joining him on some or all of these special occasions were artists such as Bonnie Raitt, Ry Cooder, Joe Cocker, Huey Newton, Carlos Santana, Robert Clay, Mick Fleetwood, Al Cooper, Johnny Winter, John Hammond, and the late Albert Collins and Willie Dixon.

Hooker's 1991 induction into the Rock n' Roll Hall Of Fame was fitting for the man who has influenced countless fans and musicians who have in turn influenced many more. Honors continued, with inductions into Los Angeles' Rock Walk, The Bammies Walk Of Fame in San Francisco, and, in 1997, a star in the Hollywood Walk Of Fame.

John Lee's style was always unique, even among other performers of the real deep blues, few of whom remain with us today. At the age of 80, John Lee Hooker received his third and fourth Grammy Awards, for Best Traditional Blues Recording “Don't Look Back” and for Best Pop Collaboration for the song “Don't Look Back” which Hooker recorded with his long time friend Van Morrison. This friendship and others are celebrated on Hooker's Pointblank / Virgin album, “The Best Of Friends.” The album also celebrated a return, exactly 50 years later, to Hooker's first hit, Boogie Chillen and served as a perfect bookend for Hooker's fifty years in the business.

The Boogie Man passed on June 21, 2001.
https://musicians.allaboutjazz.com/johnleehooker

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Biografía
Nacido cerca de Clarksdale, Mississippi, en el seno de una familia de aparceros, la primera influencia musical de John Lee Hooker vino de su padrastro, Will Moore. A principios de los años 40, Hooker se había trasladado al norte, a Detroit, pasando por Memphis y Cincinnati. Hooker encontró trabajo como conserje en las fábricas de automóviles, y por la noche, como muchos otros transplantes del Delta rural, entretenía a amigos y vecinos tocando en "fiestas en casa". Fue "descubierto" por el dueño de la tienda de discos Elmer Barbee, quien lo llevó a Bernard Besman, quien era productor, distribuidor de discos y dueño de Sensation Records, Besman alquiló algunas de sus primeras grabaciones de Hooker a Modern Records. Entre las primeras grabaciones de Hooker en 1948, "Boogie Chillen" se convirtió en el éxito número uno de la rocola de Modern y en su primer millón de ventas. A esto le siguió un éxito aún mayor con "I'm In The Mood" y otras grabaciones clásicas como "Crawling Kingsnake" y "Hobo Blues". Otra oleada en su carrera tuvo lugar con el lanzamiento de más de 100 canciones en Vee Jay Records durante los años 50 y 60.

Cuando el joven público bohemio de los 60 "descubrió" a Hooker junto con otros creadores de blues, él y varios otros hicieron un breve retorno al blues folk. Jóvenes artistas británicos como los Animals, John Mayall y los Yardbirds introdujeron el sonido de Hooker a las nuevas y ansiosas audiencias cuya admiración e influencia ayudaron a llevar a Hooker al estatus de superestrella a mediados de los 60 en Inglaterra. Para 1970 se había mudado a California y trabajó en varios proyectos con músicos de rock, especialmente Van Morrison y Canned Heat. Canned Heat modeló su sonido a partir del boggie de Hooker y colaboró con él en varios álbumes y giras.

A finales de los 70 y gran parte de los 80, Hooker realizó giras por los Estados Unidos y Europa de forma constante, pero se desilusionó con la grabación, ya que su aparición en la película de los Blues Brothers le dio un gran protagonismo. Luego, en 1989, The Healer se estrenó con gran éxito de crítica y ventas superiores al millón de copias. Hoy en día el "Rey del Boggie" está disfrutando del período más exitoso de su extensa carrera. En los últimos diez años, la influencia de Hooker ha contribuido a un creciente interés por el blues y, en particular, a su aceptación por la industria musical como una entidad comercialmente viable.

La carrera de Hooker ha sido una serie de acontecimientos destacados y especiales desde el lanzamiento de The Healer. Además de grabar sus álbumes Mr. Lucky, Boom Boom, Chill Out, y Don't Look Back for Pointblank / Virgin, contribuyó a las grabaciones de B.B. King, Branford Marsalis, Van Morrison, y Big Head Todd and the Monsters y representó el papel principal en la epopeya de 1989 de Pete Townshend, The Iron Man.

Su influencia en las generaciones más jóvenes ha sido documentada en la televisión con reportajes en Showtime y una edición especial del "Late Show" de la BBC, así como apariciones en "The Tonight Show" y "Late Night With David Letterman" entre muchos otros. John Lee fue invitado a interpretar a los Rolling Stones e invitado a Eric Clapton para su emisión en la televisión nacional durante la gira de los Steel Wheels de los Stones en 1989. En 1990, muchos grandes de la música rindieron homenaje a John Lee Hooker con una actuación en el Madison Square Garden. Junto a él en algunas o todas estas ocasiones especiales se encontraban artistas como Bonnie Raitt, Ry Cooder, Joe Cocker, Huey Newton, Carlos Santana, Robert Clay, Mick Fleetwood, Al Cooper, Johnny Winter, John Hammond, y los ya fallecidos Albert Collins y Willie Dixon.

La entrada de Hooker en el Salón de la Fama del Rock n' Roll en 1991 fue adecuada para el hombre que ha influido en innumerables fans y músicos que a su vez han influido en muchos más. Los honores continuaron, con las inducciones en el Rock Walk de Los Ángeles, el Walk Of Fame de los Bammies en San Francisco y, en 1997, una estrella en el Walk Of Fame de Hollywood.

El estilo de John Lee siempre fue único, incluso entre otros intérpretes del verdadero blues profundo, pocos de los cuales permanecen con nosotros hoy en día. A la edad de 80 años, John Lee Hooker recibió su tercer y cuarto premio Grammy, por la mejor grabación de blues tradicional "Don't Look Back" y por la mejor colaboración pop por la canción "Don't Look Back" que Hooker grabó con su viejo amigo Van Morrison. Esta amistad y otras se celebran en el álbum Pointblank / Virgin de Hooker, "The Best Of Friends". El álbum también celebraba el regreso, exactamente 50 años después, del primer éxito de Hooker, Boogie Chillen, y sirvió como un perfecto reposalibros para los 50 años de Hooker en el negocio.

The Boogie Man falleció el 21 de junio de 2001.
https://musicians.allaboutjazz.com/johnleehooker

 

 

Howlin Wolf • Mississippi Boy

 

 

Artist Biography by Cub Koda

In the history of the blues, there has never been anyone quite like the Howlin' Wolf. Six foot three and close to 300 pounds in his salad days, the Wolf was the primal force of the music spun out to its ultimate conclusion. A Robert Johnson may have possessed more lyrical insight, a Muddy Waters more dignity, and a B.B. King certainly more technical expertise, but no one could match him for the singular ability to rock the house down to the foundation while simultaneously scaring its patrons out of its wits.

He was born in West Point, MS, and named after the 21st President of the United States (Chester Arthur). His father was a farmer and Wolf took to it as well until his 18th birthday, when a chance meeting with Delta blues legend Charley Patton changed his life forever. Though he never came close to learning the subtleties of Patton's complex guitar technique, two of the major components of Wolf's style (Patton's inimitable growl of a voice and his propensity for entertaining) were learned first hand from the Delta blues master. The main source of Wolf's hard-driving, rhythmic style on harmonica came when Aleck "Rice" Miller (Sonny Boy Williamson) married his half-sister Mary and taught him the rudiments of the instrument. He first started playing in the early '30s as a strict Patton imitator, while others recall him at decade's end rocking the juke joints with a neck-rack harmonica and one of the first electric guitars anyone had ever seen. After a four-year stretch in the Army, he settled down as a farmer and weekend player in West Memphis, AR, and it was here that Wolf's career in music began in earnest.

By 1948, he had established himself within the community as a radio personality. As a means of advertising his own local appearances, Wolf had a 15-minute radio show on KWEM in West Memphis, interspersing his down-home blues with farm reports and like-minded advertising that he sold himself. But a change in Wolf's sound that would alter everything that came after was soon in coming because when listeners tuned in for Wolf's show, the sound was up-to-the-minute electric. Wolf had put his first band together, featuring the explosive guitar work of Willie Johnson, whose aggressive style not only perfectly suited Wolf's sound but aurally extended and amplified the violence and nastiness of it as well. In any discussion of Wolf's early success both live, over the airwaves, and on record, the importance of Willie Johnson cannot be overestimated.

Wolf finally started recording in 1951, when he caught the ear of Sam Phillips, who first heard him on his morning radio show. The music Wolf made in the Memphis Recording Service studio was full of passion and zest and Phillips simultaneously leased the results to the Bihari Brothers in Los Angeles and Leonard Chess in Chicago. Suddenly, Howlin' Wolf had two hits at the same time on the R&B charts with two record companies claiming to have him exclusively under contract. Chess finally won him over and as Wolf would proudly relate years later, "I had a 4,000 dollar car and 3,900 dollars in my pocket. I'm the onliest one drove out of the South like a gentleman." It was the winter of 1953 and Chicago would be his new home.

When Wolf entered the Chess studios the next year, the violent aggression of the Memphis sides was being replaced with a Chicago backbeat and, with very little fanfare, a new member in the band. Hubert Sumlin proved himself to be the Wolf's longest-running musical associate. He first appears as a rhythm guitarist on a 1954 session, and within a few years' time his style had fully matured to take over the role of lead guitarist in the band by early 1958. In what can only be described as an "angular attack," Sumlin played almost no chords behind Wolf, sometimes soloing right through his vocals, featuring wild skitterings up and down the fingerboard and biting single notes. If Willie Johnson was Wolf's second voice in his early recording career, then Hubert Sumlin would pick up the gauntlet and run with it right to the end of the howler's life.

By 1956, Wolf was in the R&B charts again, racking up hits with "Evil" and "Smokestack Lightnin'." He remained a top attraction both on the Chicago circuit and on the road. His records, while seldom showing up on the national charts, were still selling in decent numbers down South. But by 1960, Wolf was teamed up with Chess staff writer Willie Dixon, and for the next five years he would record almost nothing but songs written by Dixon. The magic combination of Wolf's voice, Sumlin's guitar, and Dixon's tunes sold a lot of records and brought the 50-year-old bluesman roaring into the next decade with a considerable flourish. The mid-'60s saw him touring Europe regularly with "Smokestack Lightnin'" becoming a hit in England some eight years after its American release. Certainly any list of Wolf's greatest sides would have to include "I Ain't Superstitious," "The Red Rooster," "Shake for Me," "Back Door Man," "Spoonful," and "Wang Dang Doodle," Dixon compositions all. While almost all of them would eventually become Chicago blues standards, their greatest cache occurred when rock bands the world over started mining the Chess catalog for all it was worth. One of these bands was the Rolling Stones, whose cover of "The Red Rooster" became a number-one record in England. At the height of the British Invasion, the Stones came to America in 1965 for an appearance on ABC-TV's rock music show, Shindig. Their main stipulation for appearing on the program was that Howlin' Wolf would be their special guest. With the Stones sitting worshipfully at his feet, the Wolf performed a storming version of "How Many More Years," being seen on his network-TV debut by an audience of a few million. Wolf never forgot the respect the Stones paid him, and he spoke of them highly right up to his final days.

Dixon and Wolf parted company by 1964 and Wolf was back in the studio doing his own songs. One of the classics to emerge from this period was "Killing Floor," featuring a modern backbeat and a incredibly catchy guitar riff from Sumlin. Catchy enough for Led Zeppelin to appropriate it for one of their early albums, cheerfully crediting it to themselves in much the same manner as they had done with numerous other blues standards. By the end of the decade, Wolf's material was being recorded by artists including the Doors, the Electric Flag, the Blues Project, Cream, and Jeff Beck. The result of all these covers brought Wolf the belated acclaim of a young, white audience. Chess' response to this was to bring him into the studio for a "psychedelic" album, truly the most dreadful of his career. His last big payday came when Chess sent him over to England in 1970 to capitalize on the then-current trend of London Session albums, recording with Eric Clapton on lead guitar and other British superstars. Wolf's health was not the best, but the session was miles above the earlier, ill-advised attempt to update Wolf's sound for a younger audience.

As the '70s moved on, the end of the trail started coming closer. By now Wolf was a very sick man; he had survived numerous heart attacks and was suffering kidney damage from an automobile accident that sent him flying through the car's windshield. His bandleader Eddie Shaw firmly rationed Wolf to a meager half-dozen songs per set. Occasionally some of the old fire would come blazing forth from some untapped wellspring, and his final live and studio recordings show that he could still tear the house apart when the spirit moved him. He entered the Veterans Administration Hospital in 1976 to be operated on, but never survived it, finally passing away on January 10th of that year.

But his passing did not go unrecognized. A life-size statue of him was erected shortly after in a Chicago park. Eddie Shaw kept his memory and music alive by keeping his band, the Wolf Gang, together for several years afterward. A child-education center in Chicago was named in his honor and in 1980 he was elected to the Blues Foundation Hall of Fame. In 1991, he was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame. A couple of years later, his face was on a United States postage stamp. Howlin' Wolf is now a permanent part of American history.

https://www.allmusic.com/artist/howlin-wolf-mn0000276085/biography

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Biografía del artista por Cub Koda
En la historia del blues, nunca ha habido nadie como el Lobo Aullador. Mide 1,95 metros y pesaba cerca de 300 libras en sus días de ensalada, el Lobo era la fuerza primordial de la música que se extendió hasta su conclusión final. Un Robert Johnson puede haber poseído más perspicacia lírica, un Muddy Waters más dignidad, y un B.B. King ciertamente más pericia técnica, pero nadie podría igualarlo por la singular habilidad de mecer la casa hasta los cimientos mientras que simultáneamente asusta a sus clientes.

Nació en West Point, MS, y recibió el nombre del 21º Presidente de los Estados Unidos (Chester Arthur). Su padre era agricultor y Wolf se dedicó a ello hasta que cumplió 18 años, cuando un encuentro casual con la leyenda del blues del Delta, Charley Patton, cambió su vida para siempre. Aunque nunca estuvo cerca de aprender las sutilezas de la compleja técnica de guitarra de Patton, dos de los componentes principales del estilo de Wolf (el inimitable gruñido de una voz de Patton y su propensión a entretenerse) fueron aprendidos de primera mano por el maestro del Delta blues. La fuente principal del estilo rítmico de Wolf en armónica vino cuando Aleck "Rice" Miller (Sonny Boy Williamson) se casó con su media hermana Mary y le enseñó los rudimentos del instrumento. Empezó a tocar a principios de los años 30 como un estricto imitador de Patton, mientras que otros lo recuerdan al final de la década tocando el juke con una armónica en el neck-rack y una de las primeras guitarras eléctricas que alguien había visto. Después de cuatro años en el Ejército, se estableció como granjero y jugador de fin de semana en Memphis Oeste, R.A., y fue aquí donde la carrera musical de Wolf comenzó en serio.

En 1948, se había establecido en la comunidad como una personalidad de la radio. Como medio para anunciar sus propias apariciones locales, Wolf tenía un programa de radio de 15 minutos en KWEM en West Memphis, intercalando su blues casero con informes de granjas y publicidad de ideas afines que él mismo vendía. Pero un cambio en el sonido de Wolf que alteraría todo lo que venía después pronto llegó porque cuando los oyentes sintonizaron el programa de Wolf, el sonido era eléctrico al minuto. Wolf había formado su primera banda, con el explosivo trabajo de guitarra de Willie Johnson, cuyo estilo agresivo no sólo se adaptaba perfectamente al sonido de Wolf, sino que también ampliaba y amplificaba la violencia y la maldad de la misma. En cualquier discusión sobre el éxito inicial de Wolf, tanto en vivo, a través de las ondas de radio y televisión, como en los registros, la importancia de Willie Johnson no puede ser sobreestimada.

Wolf finalmente comenzó a grabar en 1951, cuando captó la atención de Sam Phillips, quien lo escuchó por primera vez en su programa de radio matutino. La música que Wolf hizo en el estudio de Memphis Recording Service estaba llena de pasión y entusiasmo y Phillips alquiló simultáneamente los resultados a los Bihari Brothers en Los Ángeles y Leonard Chess en Chicago. De repente, Howlin' Wolf tuvo dos éxitos al mismo tiempo en las listas de éxitos de R&B con dos compañías discográficas que afirmaban tenerlo exclusivamente bajo contrato. El ajedrez finalmente lo convenció y como Wolf relataría orgullosamente años más tarde: "Tenía un coche de 4.000 dólares y 3.900 dólares en el bolsillo. Soy el único que ha salido del sur como un caballero". Era el invierno de 1953 y Chicago sería su nuevo hogar.

Cuando Wolf entró en los estudios de ajedrez al año siguiente, la violenta agresión de los equipos de Memphis fue reemplazada por un ritmo de Chicago y, con muy poca fanfarria, un nuevo miembro de la banda. Hubert Sumlin demostró ser el músico asociado más antiguo de Wolf. Aparece por primera vez como guitarrista rítmico en una sesión de 1954, y en pocos años su estilo había madurado completamente para asumir el papel de guitarrista principal en la banda a principios de 1958. En lo que sólo puede describirse como un "ataque angular", Sumlin no tocó casi ningún acorde detrás de Wolf, a veces en solitario a través de su voz, con movimientos salvajes hacia arriba y hacia abajo en el diapasón y mordiendo notas individuales. Si Willie Johnson era la segunda voz de Wolf en su temprana carrera discográfica, entonces Hubert Sumlin tomaría el guante y correría con él hasta el final de la vida del aullador.

En 1956, Wolf volvió a estar en las listas de éxitos de R&B, acumulando éxitos con "Evil" y "Smokestack Lightnin'". Se mantuvo como una de las principales atracciones tanto en el circuito de Chicago como en la carretera. Sus récords, aunque rara vez aparecían en las listas nacionales, seguían vendiéndose en números decentes en el sur. Pero en 1960, Wolf se asoció con el escritor de ajedrez Willie Dixon, y durante los siguientes cinco años no grabó casi nada más que canciones escritas por Dixon. La mágica combinación de la voz de Wolf, la guitarra de Sumlin, y las melodías de Dixon vendieron muchos discos y llevaron al bluesista de 50 años a la siguiente década con un florecimiento considerable. A mediados de los años 60, viajó regularmente por Europa con "Smokestack Lightnin'" y se convirtió en un éxito en Inglaterra ocho años después de su estreno en Estados Unidos. Ciertamente, cualquier lista de los mejores lados de Wolf tendría que incluir "I Ain't Superstitious," "The Red Rooster," "Shake for Me," "Back Door Man," "Spoonful," y "Wang Dang Doodle," todas las composiciones de Dixon. Mientras que casi todos ellos se convertirían eventualmente en los estándares del blues de Chicago, su mayor caché ocurrió cuando bandas de rock de todo el mundo empezaron a minar el catálogo de ajedrez por todo lo que valía la pena. Una de estas bandas fue Rolling Stones, cuya versión de "The Red Rooster" se convirtió en el disco número uno de Inglaterra. En el apogeo de la invasión británica, los Stones llegaron a Estados Unidos en 1965 para una aparición en el programa de música rock de ABC-TV, Shindig. Su principal estipulación para aparecer en el programa era que Howlin' Wolf sería su invitado especial. Con las Piedras sentadas a sus pies, el Lobo interpretó una versión impresionante de "Cuántos años más", que fue vista en su debut en la cadena de televisión por unos pocos millones de espectadores. Wolf nunca olvidó el respeto que los Stones le pagaban, y habló de ellos hasta sus últimos días.

Dixon y Wolf se separaron en 1964 y Wolf estaba de vuelta en el estudio haciendo sus propias canciones. Uno de los clásicos que surgió de este período fue "Killing Floor", con un ritmo moderno y un riff de guitarra increíblemente pegajoso de Sumlin. Lo suficientemente pegajoso como para que Led Zeppelin se lo apropiara para uno de sus primeros álbumes, atribuyéndoselo alegremente a ellos mismos de la misma manera que lo habían hecho con muchos otros estándares de blues. A finales de la década, el material de Wolf estaba siendo grabado por artistas como The Doors, The Electric Flag, The Blues Project, Cream y Jeff Beck. El resultado de todas estas portadas trajo a Wolf el aplauso tardío de un público joven y blanco. La respuesta de Chess a esto fue traerlo al estudio para un álbum "psicodélico", verdaderamente el más espantoso de su carrera. Su último gran día de pago fue cuando Chess lo envió a Inglaterra en 1970 para capitalizar la tendencia actual de los álbumes de London Session, grabando con Eric Clapton en guitarra solista y otras superestrellas británicas. La salud de Wolf no era la mejor, pero la sesión estaba muy por encima de la anterior y desacertada tentativa de actualizar el sonido de Wolf para un público más joven.

A medida que los años 70 avanzaban, el final del camino comenzó a acercarse. Por ahora Wolf era un hombre muy enfermo; había sobrevivido a numerosos ataques cardíacos y estaba sufriendo daño renal debido a un accidente automovilístico que lo hizo volar a través del parabrisas del auto. Su director de orquesta Eddie Shaw racionó firmemente a Wolf con media docena de canciones por set. Ocasionalmente, algo del viejo fuego salía ardiendo de un manantial sin explotar, y sus grabaciones finales en vivo y en estudio muestran que todavía podía destrozar la casa cuando el espíritu lo movía. Entró en el Hospital de la Administración de Veteranos en 1976 para ser operado, pero nunca sobrevivió y finalmente falleció el 10 de enero de ese año.

Pero su muerte no pasó desapercibida. Poco después se erigió una estatua de tamaño natural en un parque de Chicago. Eddie Shaw mantuvo viva su memoria y su música al mantener a su banda, la Wolf Gang, unida durante varios años después. Un centro de educación infantil en Chicago fue nombrado en su honor y en 1980 fue elegido para el Salón de la Fama de la Blues Foundation. En 1991, fue admitido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Un par de años después, su cara estaba en un sello de correos de los Estados Unidos. Lobo Aullador es ahora parte permanente de la historia de Estados Unidos.

https://www.allmusic.com/artist/howlin-wolf-mn0000276085/biography

 

 

Howlin' Wolf • His Best

 

Review by Cub Koda
With the exception of a vinyl compilation issued in the early '80s (His Greatest Sides, Vol. 1), there'd never really ever been a single-disc Howlin' Wolf best-of package available. That all changed with this entry in MCA/Chess' 50th Anniversary series, a 20-track retrospective that serves as the perfect introduction to the man and his music, some of the very best the blues has to offer. While some naysayers will always decry the exclusion -- or inclusion -- of any given number of tracks on any artist's best-of compilation, it's pretty hard to fault what's been collected here. Starting with the two-sided smash that brought him from Memphis to Chicago ("Moanin' at Midnight" b/w "How Many More Years"), this compilation hits all the high points and essential tracks, illustrating how his music developed into the mid-'60s. Eleven of the 20 tunes on here are either written or co-written by Willie Dixon, and Wolf's original takes on "Back Door Man," "Spoonful," "The Red Rooster," "Wang Dang Doodle," and "I Ain't Superstitious" are truly the definitive ones, a place where personality and material symbiotically become as one. Even if you have already have this material, die-hard Wolf fans -- and audiophiles in particular -- will want to investigate this package as the master transfers used here are absolutely stunning, with stereo mixes of "Killing Floor," "Built for Comfort," "Hidden Charms" (with the full-length Hubert Sumlin guitar solo), "Shake for Me," and the long version of "Going Down Slow" being particular standouts. This is a set so essential that it should be on everyone's Top Ten first purchases in building the perfect blues collection. While Wolf's music will take you to many places (both musically and spiritually), here's where you start to absorb it all. [His Best contains the same tracks as the 2007 Geffen release The Definitive Collection].

 

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Review by Cub Koda
With the exception of a vinyl compilation issued in the early '80s (His Greatest Sides, Vol. 1), there'd never really ever been a single-disc Howlin' Wolf best-of package available. That all changed with this entry in MCA/Chess' 50th Anniversary series, a 20-track retrospective that serves as the perfect introduction to the man and his music, some of the very best the blues has to offer. While some naysayers will always decry the exclusion -- or inclusion -- of any given number of tracks on any artist's best-of compilation, it's pretty hard to fault what's been collected here. Starting with the two-sided smash that brought him from Memphis to Chicago ("Moanin' at Midnight" b/w "How Many More Years"), this compilation hits all the high points and essential tracks, illustrating how his music developed into the mid-'60s. Eleven of the 20 tunes on here are either written or co-written by Willie Dixon, and Wolf's original takes on "Back Door Man," "Spoonful," "The Red Rooster," "Wang Dang Doodle," and "I Ain't Superstitious" are truly the definitive ones, a place where personality and material symbiotically become as one. Even if you have already have this material, die-hard Wolf fans -- and audiophiles in particular -- will want to investigate this package as the master transfers used here are absolutely stunning, with stereo mixes of "Killing Floor," "Built for Comfort," "Hidden Charms" (with the full-length Hubert Sumlin guitar solo), "Shake for Me," and the long version of "Going Down Slow" being particular standouts. This is a set so essential that it should be on everyone's Top Ten first purchases in building the perfect blues collection. While Wolf's music will take you to many places (both musically and spiritually), here's where you start to absorb it all. [His Best contains the same tracks as the 2007 Geffen release The Definitive Collection]. 

 

 

 

Howlin' Wolf • Smokestack Lightening

Artist Biography by Cub Koda

In the history of the blues, there has never been anyone quite like the Howlin' Wolf. Six foot three and close to 300 pounds in his salad days, the Wolf was the primal force of the music spun out to its ultimate conclusion. A Robert Johnson may have possessed more lyrical insight, a Muddy Waters more dignity, and a B.B. King certainly more technical expertise, but no one could match him for the singular ability to rock the house down to the foundation while simultaneously scaring its patrons out of its wits.

He was born in West Point, MS, and named after the 21st President of the United States (Chester Arthur). His father was a farmer and Wolf took to it as well until his 18th birthday, when a chance meeting with Delta blues legend Charley Patton changed his life forever. Though he never came close to learning the subtleties of Patton's complex guitar technique, two of the major components of Wolf's style (Patton's inimitable growl of a voice and his propensity for entertaining) were learned first hand from the Delta blues master. The main source of Wolf's hard-driving, rhythmic style on harmonica came when Aleck "Rice" Miller (Sonny Boy Williamson) married his half-sister Mary and taught him the rudiments of the instrument. He first started playing in the early '30s as a strict Patton imitator, while others recall him at decade's end rocking the juke joints with a neck-rack harmonica and one of the first electric guitars anyone had ever seen. After a four-year stretch in the Army, he settled down as a farmer and weekend player in West Memphis, AR, and it was here that Wolf's career in music began in earnest.

By 1948, he had established himself within the community as a radio personality. As a means of advertising his own local appearances, Wolf had a 15-minute radio show on KWEM in West Memphis, interspersing his down-home blues with farm reports and like-minded advertising that he sold himself. But a change in Wolf's sound that would alter everything that came after was soon in coming because when listeners tuned in for Wolf's show, the sound was up-to-the-minute electric. Wolf had put his first band together, featuring the explosive guitar work of Willie Johnson, whose aggressive style not only perfectly suited Wolf's sound but aurally extended and amplified the violence and nastiness of it as well. In any discussion of Wolf's early success both live, over the airwaves, and on record, the importance of Willie Johnson cannot be overestimated.

Wolf finally started recording in 1951, when he caught the ear of Sam Phillips, who first heard him on his morning radio show. The music Wolf made in the Memphis Recording Service studio was full of passion and zest and Phillips simultaneously leased the results to the Bihari Brothers in Los Angeles and Leonard Chess in Chicago. Suddenly, Howlin' Wolf had two hits at the same time on the R&B charts with two record companies claiming to have him exclusively under contract. Chess finally won him over and as Wolf would proudly relate years later, "I had a 4,000 dollar car and 3,900 dollars in my pocket. I'm the onliest one drove out of the South like a gentleman." It was the winter of 1953 and Chicago would be his new home.

When Wolf entered the Chess studios the next year, the violent aggression of the Memphis sides was being replaced with a Chicago backbeat and, with very little fanfare, a new member in the band. Hubert Sumlin proved himself to be the Wolf's longest-running musical associate. He first appears as a rhythm guitarist on a 1954 session, and within a few years' time his style had fully matured to take over the role of lead guitarist in the band by early 1958. In what can only be described as an "angular attack," Sumlin played almost no chords behind Wolf, sometimes soloing right through his vocals, featuring wild skitterings up and down the fingerboard and biting single notes. If Willie Johnson was Wolf's second voice in his early recording career, then Hubert Sumlin would pick up the gauntlet and run with it right to the end of the howler's life.

By 1956, Wolf was in the R&B charts again, racking up hits with "Evil" and "Smokestack Lightnin'." He remained a top attraction both on the Chicago circuit and on the road. His records, while seldom showing up on the national charts, were still selling in decent numbers down South. But by 1960, Wolf was teamed up with Chess staff writer Willie Dixon, and for the next five years he would record almost nothing but songs written by Dixon. The magic combination of Wolf's voice, Sumlin's guitar, and Dixon's tunes sold a lot of records and brought the 50-year-old bluesman roaring into the next decade with a considerable flourish. The mid-'60s saw him touring Europe regularly with "Smokestack Lightnin'" becoming a hit in England some eight years after its American release. Certainly any list of Wolf's greatest sides would have to include "I Ain't Superstitious," "The Red Rooster," "Shake for Me," "Back Door Man," "Spoonful," and "Wang Dang Doodle," Dixon compositions all. While almost all of them would eventually become Chicago blues standards, their greatest cache occurred when rock bands the world over started mining the Chess catalog for all it was worth. One of these bands was the Rolling Stones, whose cover of "The Red Rooster" became a number-one record in England. At the height of the British Invasion, the Stones came to America in 1965 for an appearance on ABC-TV's rock music show, Shindig. Their main stipulation for appearing on the program was that Howlin' Wolf would be their special guest. With the Stones sitting worshipfully at his feet, the Wolf performed a storming version of "How Many More Years," being seen on his network-TV debut by an audience of a few million. Wolf never forgot the respect the Stones paid him, and he spoke of them highly right up to his final days.

Dixon and Wolf parted company by 1964 and Wolf was back in the studio doing his own songs. One of the classics to emerge from this period was "Killing Floor," featuring a modern backbeat and a incredibly catchy guitar riff from Sumlin. Catchy enough for Led Zeppelin to appropriate it for one of their early albums, cheerfully crediting it to themselves in much the same manner as they had done with numerous other blues standards. By the end of the decade, Wolf's material was being recorded by artists including the Doors, the Electric Flag, the Blues Project, Cream, and Jeff Beck. The result of all these covers brought Wolf the belated acclaim of a young, white audience. Chess' response to this was to bring him into the studio for a "psychedelic" album, truly the most dreadful of his career. His last big payday came when Chess sent him over to England in 1970 to capitalize on the then-current trend of London Session albums, recording with Eric Clapton on lead guitar and other British superstars. Wolf's health was not the best, but the session was miles above the earlier, ill-advised attempt to update Wolf's sound for a younger audience.

As the '70s moved on, the end of the trail started coming closer. By now Wolf was a very sick man; he had survived numerous heart attacks and was suffering kidney damage from an automobile accident that sent him flying through the car's windshield. His bandleader Eddie Shaw firmly rationed Wolf to a meager half-dozen songs per set. Occasionally some of the old fire would come blazing forth from some untapped wellspring, and his final live and studio recordings show that he could still tear the house apart when the spirit moved him. He entered the Veterans Administration Hospital in 1976 to be operated on, but never survived it, finally passing away on January 10th of that year.

But his passing did not go unrecognized. A life-size statue of him was erected shortly after in a Chicago park. Eddie Shaw kept his memory and music alive by keeping his band, the Wolf Gang, together for several years afterward. A child-education center in Chicago was named in his honor and in 1980 he was elected to the Blues Foundation Hall of Fame. In 1991, he was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame. A couple of years later, his face was on a United States postage stamp. Howlin' Wolf is now a permanent part of American history.

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Biografía del artista por Cub Koda
En la historia del blues, nunca ha habido nadie como el Lobo Aullador. Mide 1,95 metros y pesaba cerca de 300 libras en sus días de ensalada, el Lobo era la fuerza primordial de la música que se extendió hasta su conclusión final. Un Robert Johnson puede haber poseído más perspicacia lírica, un Muddy Waters más dignidad, y un B.B. King ciertamente más pericia técnica, pero nadie podría igualarlo por la singular habilidad de mecer la casa hasta los cimientos mientras que simultáneamente asusta a sus clientes.

Nació en West Point, MS, y recibió el nombre del 21º Presidente de los Estados Unidos (Chester Arthur). Su padre era agricultor y Wolf se dedicó a ello hasta que cumplió 18 años, cuando un encuentro casual con la leyenda del blues del Delta, Charley Patton, cambió su vida para siempre. Aunque nunca estuvo cerca de aprender las sutilezas de la compleja técnica de guitarra de Patton, dos de los componentes principales del estilo de Wolf (el inimitable gruñido de una voz de Patton y su propensión a entretenerse) fueron aprendidos de primera mano por el maestro del Delta blues. La fuente principal del estilo rítmico de Wolf en armónica vino cuando Aleck "Rice" Miller (Sonny Boy Williamson) se casó con su media hermana Mary y le enseñó los rudimentos del instrumento. Empezó a tocar a principios de los años 30 como un estricto imitador de Patton, mientras que otros lo recuerdan al final de la década tocando el juke con una armónica en el neck-rack y una de las primeras guitarras eléctricas que alguien había visto. Después de cuatro años en el Ejército, se estableció como granjero y jugador de fin de semana en Memphis Oeste, R.A., y fue aquí donde la carrera musical de Wolf comenzó en serio.

En 1948, se había establecido en la comunidad como una personalidad de la radio. Como medio para anunciar sus propias apariciones locales, Wolf tenía un programa de radio de 15 minutos en KWEM en West Memphis, intercalando su blues casero con informes de granjas y publicidad de ideas afines que él mismo vendía. Pero un cambio en el sonido de Wolf que alteraría todo lo que venía después pronto llegó porque cuando los oyentes sintonizaron el programa de Wolf, el sonido era eléctrico al minuto. Wolf había formado su primera banda, con el explosivo trabajo de guitarra de Willie Johnson, cuyo estilo agresivo no sólo se adaptaba perfectamente al sonido de Wolf, sino que también ampliaba y amplificaba la violencia y la maldad de la misma. En cualquier discusión sobre el éxito inicial de Wolf, tanto en vivo, a través de las ondas de radio y televisión, como en los registros, la importancia de Willie Johnson no puede ser sobreestimada.

Wolf finalmente comenzó a grabar en 1951, cuando captó la atención de Sam Phillips, quien lo escuchó por primera vez en su programa de radio matutino. La música que Wolf hizo en el estudio de Memphis Recording Service estaba llena de pasión y entusiasmo y Phillips alquiló simultáneamente los resultados a los Bihari Brothers en Los Ángeles y Leonard Chess en Chicago. De repente, Howlin' Wolf tuvo dos éxitos al mismo tiempo en las listas de éxitos de R&B con dos compañías discográficas que afirmaban tenerlo exclusivamente bajo contrato. El ajedrez finalmente lo convenció y como Wolf relataría orgullosamente años más tarde: "Tenía un coche de 4.000 dólares y 3.900 dólares en el bolsillo. Soy el único que ha salido del sur como un caballero". Era el invierno de 1953 y Chicago sería su nuevo hogar.

Cuando Wolf entró en los estudios de ajedrez al año siguiente, la violenta agresión de los equipos de Memphis fue reemplazada por un ritmo de Chicago y, con muy poca fanfarria, un nuevo miembro de la banda. Hubert Sumlin demostró ser el músico asociado más antiguo de Wolf. Aparece por primera vez como guitarrista rítmico en una sesión de 1954, y en pocos años su estilo había madurado completamente para asumir el papel de guitarrista principal en la banda a principios de 1958. En lo que sólo puede describirse como un "ataque angular", Sumlin no tocó casi ningún acorde detrás de Wolf, a veces en solitario a través de su voz, con movimientos salvajes hacia arriba y hacia abajo en el diapasón y mordiendo notas individuales. Si Willie Johnson era la segunda voz de Wolf en su temprana carrera discográfica, entonces Hubert Sumlin tomaría el guante y correría con él hasta el final de la vida del aullador.

En 1956, Wolf volvió a estar en las listas de éxitos de R&B, acumulando éxitos con "Evil" y "Smokestack Lightnin'". Se mantuvo como una de las principales atracciones tanto en el circuito de Chicago como en la carretera. Sus récords, aunque rara vez aparecían en las listas nacionales, seguían vendiéndose en números decentes en el sur. Pero en 1960, Wolf se asoció con el escritor de ajedrez Willie Dixon, y durante los siguientes cinco años no grabó casi nada más que canciones escritas por Dixon. La mágica combinación de la voz de Wolf, la guitarra de Sumlin, y las melodías de Dixon vendieron muchos discos y llevaron al bluesista de 50 años a la siguiente década con un florecimiento considerable. A mediados de los años 60, viajó regularmente por Europa con "Smokestack Lightnin'" y se convirtió en un éxito en Inglaterra ocho años después de su estreno en Estados Unidos. Ciertamente, cualquier lista de los mejores lados de Wolf tendría que incluir "I Ain't Superstitious," "The Red Rooster," "Shake for Me," "Back Door Man," "Spoonful," y "Wang Dang Doodle," todas las composiciones de Dixon. Mientras que casi todos ellos se convertirían eventualmente en los estándares del blues de Chicago, su mayor caché ocurrió cuando bandas de rock de todo el mundo empezaron a minar el catálogo de ajedrez por todo lo que valía la pena. Una de estas bandas fue Rolling Stones, cuya versión de "The Red Rooster" se convirtió en el disco número uno de Inglaterra. En el apogeo de la invasión británica, los Stones llegaron a Estados Unidos en 1965 para una aparición en el programa de música rock de ABC-TV, Shindig. Su principal estipulación para aparecer en el programa era que Howlin' Wolf sería su invitado especial. Con las Piedras sentadas a sus pies, el Lobo interpretó una versión impresionante de "Cuántos años más", que fue vista en su debut en la cadena de televisión por unos pocos millones de espectadores. Wolf nunca olvidó el respeto que los Stones le pagaban, y habló de ellos hasta sus últimos días.

Dixon y Wolf se separaron en 1964 y Wolf estaba de vuelta en el estudio haciendo sus propias canciones. Uno de los clásicos que surgió de este período fue "Killing Floor", con un ritmo moderno y un riff de guitarra increíblemente pegajoso de Sumlin. Lo suficientemente pegajoso como para que Led Zeppelin se lo apropiara para uno de sus primeros álbumes, atribuyéndoselo alegremente a ellos mismos de la misma manera que lo habían hecho con muchos otros estándares de blues. A finales de la década, el material de Wolf estaba siendo grabado por artistas como The Doors, The Electric Flag, The Blues Project, Cream y Jeff Beck. El resultado de todas estas portadas trajo a Wolf el aplauso tardío de un público joven y blanco. La respuesta de Chess a esto fue traerlo al estudio para un álbum "psicodélico", verdaderamente el más espantoso de su carrera. Su último gran día de pago fue cuando Chess lo envió a Inglaterra en 1970 para capitalizar la tendencia actual de los álbumes de London Session, grabando con Eric Clapton en guitarra solista y otras superestrellas británicas. La salud de Wolf no era la mejor, pero la sesión estaba muy por encima de la anterior y desacertada tentativa de actualizar el sonido de Wolf para un público más joven.

A medida que los años 70 avanzaban, el final del camino comenzó a acercarse. Por ahora Wolf era un hombre muy enfermo; había sobrevivido a numerosos ataques cardíacos y estaba sufriendo daño renal debido a un accidente automovilístico que lo hizo volar a través del parabrisas del auto. Su director de orquesta Eddie Shaw racionó firmemente a Wolf con media docena de canciones por set. Ocasionalmente, algo del viejo fuego salía ardiendo de un manantial sin explotar, y sus grabaciones finales en vivo y en estudio muestran que todavía podía destrozar la casa cuando el espíritu lo movía. Entró en el Hospital de la Administración de Veteranos en 1976 para ser operado, pero nunca sobrevivió y finalmente falleció el 10 de enero de ese año.

Pero su muerte no pasó desapercibida. Poco después se erigió una estatua de tamaño natural en un parque de Chicago. Eddie Shaw mantuvo viva su memoria y su música al mantener a su banda, la Wolf Gang, unida durante varios años después. Un centro de educación infantil en Chicago fue nombrado en su honor y en 1980 fue elegido para el Salón de la Fama de la Blues Foundation. En 1991, fue admitido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Un par de años después, su cara estaba en un sello de correos de los Estados Unidos. Lobo Aullador es ahora parte permanente de la historia de Estados Unidos.

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